Pintura

Futur ( ) o.

La tipografía Futura (1927) es la más conocida y de mayor calidad de Paul Renner, diseñador alemán. Lo inició en 1925. Es una tipografía de palo seco y bases racionalistas influido por la estética de la Bauhaus de los años 1919-1933. Se fundamenta en formas geométricas (círculos, triángulos y cuadrados). Consta de una extensa gama de cuerpos y tipos, que van desde la fina, seminegra o texto, negra y supernegra en su doble versión redonda y cursiva y en sus tipologías normal, ancha y estrecha, consiguiendo así un modernísimo la tipografía que se ha convertido en uno de los clásicos de la tipografía universal.

Poesía concreta es un género de la poesía. En este género, lo visual y espacial tienen el mismo nivel de importancia que la rima y el ritmo en la poesía lírica. Los inicios históricos de la poesía concreta se hallan en los años 1930 cuando se acuñó el término “concreto” como apellido para esta escuela. Como plan estético, el concretismo fue un impulso ideológico importante en el desarrollo de las artes en la mitad del siglo XX y no sólo en la poesía. Se centra en un objetivo lógico y natural.

Futur ( ) o.
Óleo sobre tela
100 x 100 cm, 2020
$4,000 USD

Construct M.M.

Construction No. 127 (Two Circles)1920, Alexander Rodchenko.

De 1918 a 1921, Ródchenko, bajo influencia de Malévich y Tatlin, creaba series de premisas formales, como la superficie plana, la factura, la línea, la mancha, y también bajo el influjo de la revolución bolchevique, pues su obra tenía como objetivo una sociedad ordenada. Rodchenko se hace famoso en los debates artísticos, de donde surge el Movimiento Constructivista, el artista se convierte en un ingeniero visual.

Creado el 18 de noviembre de 1928, este ratón tiene un origen disputado. La leyenda oficial explica que fue creado por Walt Disney durante un viaje en tren y que su nombre inicial fue Mortimer, pero que cambió a Mickey a petición de su esposa, Lillian. Según Bob Thomas, la leyenda del nombre es ficticia, y cita el caso de un personaje llamado Mortimer Mouse, que nació en 1936, tío de Minnie Mouse.1 La versión más verosímil
es que el personaje fue creado por el dibujante Ub Iwerks, a petición de Disney, para compensar la pérdida de los derechos de Oswald, el conejo afortunado, a manos de Universal. Lo cierto es que Mickey no es más que una variación del personaje Oswald.2 A Walt Disney hay que atribuirle tanto la voz del personaje, como la personalidad y el carácter del ratón.

Construct M.M.
Óleo sobre tela
100 x 100 cm, 2020
$4,000 USD

Se vend

En marzo de 2016 se llevó a cabo en el met de nueva York la exposición un nished: thoughts left Visible. Podemos leer en su página (traducción por google translate): Esta exposición aborda un tema crítico para la práctica artística: la cuestión de cuándo está terminada una obra de arte. Comenzando con los maestros del Renacimiento, esta exposición académica e innovadora examina el término “inacabado” en su sentido más amplio posible, incluidas las obras que dejaron incompletas sus creadores, que a menudo dan una idea del proceso de su creación, pero también las que participan de una no nito – intencionalmente inacabado – estética que abraza lo irresuelto y lo inde nido. Algunos de los más grandes artistas de la historia exploraron tal estética, entre ellos tiziano, Rembrandt, turner y Cézanne. lo inconcluso ha sido tomado en direcciones completamente nuevas por artistas modernos y contemporáneos, entre ellos Janine Antoni, lygia Clark, Jackson Pollock y Robert Rauschenberg, quienes alternativamente borraron la distinción entre hacer y deshacer, extendieron los límites del arte en ambos espacios y tiempo, y reclutó espectadores para completar los objetos que habían comenzado.

Consta de 197 obras que datan desde el Renacimiento hasta el presente, aproximadamente el 40 por ciento de las cuales provienen de la propia colección del museo, mejorada por importantes préstamos nacionales e internacionales, esta exposición demuestra la capacidad única del met para extraer su rica colección y recursos académicos para presentar modernas y arte contemporáneo en un contexto histórico profundo.

Se vend
Óleo sobre tela
100 x 100 cm, 2020
$4,000 USD

K.M.

Kazimir Malévich (1879-1935).
1915 es el año del nacimiento del Suprematismo, en un texto escrito por Malévich para presentar su propio trabajo en una segunda exposición llamada Última Exposición Futurista: 0,10.5 En esta exposición realizada en Petrogrado y donde abandona el futurismo, cuelga treinta y nueve obras abstractas y las presenta como el nuevo realismo pictórico, entre ellas el famoso Cuadrado negro, que supone un giro capital en la evolución de Malévich y de toda la pintura moderna.

K.M.
Óleo sobre tela
100 x 100 cm, 2020
$4,000 USD

El abominable hombre de las nieblas

El yeti o abominable hombre de las nieves (o Jigou para los tibetanos del Himalaya) podría ser un críptido interpretado como un simio gigante emparentado con el Pie Grande estadounidense, el Yowie en Australia, el Kunk en los Andes, Basajaun en el País Vasco y otros mitos similares presentes en numerosas culturas. Ante la ausencia total de pruebas, solo se cuenta con relatos que lo describen como un simio gigante bípedo que se cree que está localizado en las zonas boscosas de la cordillera del Himalaya, pero otras fuentes indican que podría ser una variedad de oso albo lanudo similar al oso polar.

El abominable hombre de las nieves
Óleo sobre tela
100 x 100 cm, 2020
$4,000 USD

Leyendo las letras pequeñas

“El conocimiento se adquiere leyendo la letra pequeña de un contrato; la experiencia, no leyéndola.”
Francis Bacon

Leyenda las letras pequeñas
Óleo sobre tela
100 x 100 cm, 2020
$4,000 USD

l love constructivism

El constructivismo es un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. El término construction art (“arte para construcción”) fue utilizado por primera vez, de manera despectiva, por Kasimir Malévich para describir el trabajo de Aleksandr Ródchenko en 1917.

I love constructivism
Óleo sobre tela
100 x 100 cm, 2020
$4,000 USD

La mole destruida

En 1961 Stan Lee se había propuesto crear una nueva línea editorial de superhéroes con características diferentes a todos los publicados hasta entonces, para lo cual los dotaría de humanidad y de una personalidad propia, sumergiéndolos en una vida que podría haber tenido cualquier persona normal, con sus preocupaciones. Así nacieron Los Cuatro Fantásticos (y posteriormente nacería Spider-Man también con estos criterios. Los Cuatro Fantásticos, quienes obtuvieron superpoderes tras la exposición a rayos cósmicos durante una misión científica al espacio exterior, que los dotaría con mutaciones de sus cuerpos relativas a los cuatro elementos: Agua (Mr. Fantástico y su estado fluido, aire (la mujer invisible), tierra (La Mole, y su aspecto pétreo) y fuego (La Antorcha humana).

Ben Grimm: Ben, adoptó el nombre de La Mole, a veces llamado la adorable Mole de ojos azules, tras su accidente. Ahora, enorme, fórnido hasta la exageración, y deformado, causa el pavor allá donde aparece. Es una mole enorme y fea que lo destroza todo a su paso. La gente grita despavorida y huye de él. Esto, a pesar de su inmensa fortaleza hace mella en su corazón y se siente solo y desamparado, ante un mundo hostil, haciéndole desear que el accidente nunca hubiese ocurrido.

La mole destruida
Óleo sobre tela
100 x 100 cm, 2020
$4,000 USD

Esta pintura puede llamarse:
Óleo sobre tela
100 x 100 cm, 2020
$4,000 USD

Esta pintura puede llamarse:

1) Sin título
2) Abstracción
3) Homenaje a P. Guston
4) Pise un chicle enorme, estoy triste.
Philip Guston (Montréal, 27 de julio de 1913 – Nueva York 7 de junio de 1980 en Nueva York) fue un célebre pintor de la Escuela de Nueva York en la que
se encuentran numerosos pintores del expresionismo abstracto como Jackson Pollock y Willem de Kooning. En los años 1960, Guston llevó a cabo la transición del modernismo hacia el postmodernismo en pintura, abandonando lo que se llamó la «abstracción pura» del expresionismo abstracto en favor de un estilo más cercano al tebeo para rendir diversos símbolos y objetos personales de la vida cotidiana de esta forma volver a representar al hombre común en la escena artística de esos años.

Tres trucos para quitar el chicle de un zapato:

1. Congelador: La técnica más laboriosa. Metes el zapato en una bolsa y presionas el chicle contra la bolsa. Una vez hecho esto, lo introduces en el congelador. Pasadas al menos dos horas, el chicle debería estar pegado a la bolsa y el zapato, limpio como una patena.

2. Aceite multiusos: Parece la opción más fácil, aunque no la más económica. Si tienes a mano este tipo de producto, basta con echarlo sobre el chicle, esperar un minuto y quitarlo con un paño.

3. Acetona: La fórmula más sencilla y barata. El producto que cualquier mujer tiene en su cuarto de baño para quitarse el esmalte de uñas puede servir para quitar también el trozo de chicle pegado a la suela. Se empapa un trozo de papel higiénico o papel de cocina y se pasa sobre el chicle que, con un poco de esfuerzo, saldrá fácilmente.

Esto representa una hoja blanca rota (tamaño carta)

El formato de papel es el conjunto de los tamaños normalizados de papel, fabricados de manera habitual por la industria.

En la mayor parte del mundo se basan en los tamaños definidos en la norma ISO 216, que a su vez se basa en la norma DIN 476 (del año 1922). Paralelamente siguen existiendo otros sistemas tradicionales, como los utilizados en los Estados Unidos, Canadá y México, u otros que están cayendo en desuso como el tamaño folio y sus derivados, anteriormente utilizados en Europa. También hay más formatos de papel normalizados para otros usos, como los utilizados en los periódicos.

Esto representa una hoja blanca rota (tamaño carta)
Óleo sobre tela
100 x 100 cm, 2020
$4,000 USD

El sol está radiante pero no ilumina
Óleo sobre tela
100 x 100 cm, 2020
$4,000 USD

El sol está radiante pero no ilumina

El Sol (del latín sol, solis, «dios Sol invictus» o «sol», Helios en la mitología griega, a su vez de la raíz protoindoeuropea sauel-, «brillar»)4 es una estrella de tipo-G de la secuencia principal y clase de luminosidad V que se encuentra en el centro del sistema solar y constituye la mayor fuente de radiación electromagnética de este sistema planetario.5 Es una esfera casi perfecta de plasma, con un movimiento convectivo interno que genera un campo magnético a través de un proceso de dinamo. Cerca de tres cuartas partes de la masa del Sol constan de hidrógeno; el resto es principalmente helio, con cantidades mucho más pequeñas de elementos, incluyendo el oxígeno, carbono, neón y hierro.

Se formó hace aproximadamente 4600 millones de años a partir del colapso gravitacional de la materia dentro de una región de una gran nube molecular. La mayor parte de esta materia se acumuló en el centro, mientras que el resto se aplanó en un disco en órbita que se convirtió en el sistema solar. La masa central se volvió cada vez más densa y caliente, dando lugar con el tiempo al inicio de la fusión nuclear en su núcleo. Se cree que casi todas las estrellas se forman por este proceso. El Sol es más o menos de edad intermedia y no ha cambiado drásticamente desde hace más de cuatro mil millones de años, y seguirá siendo bastante estable durante otros cinco mil millones de años más. Sin embargo, después de que la fusión del hidrógeno en su núcleo se haya detenido, el Sol sufrirá cambios importantes y se convertirá en una gigante roja. Se estima que el Sol se volverá lo suficientemente grande como para engullir las órbitas actuales de Mercurio, Venus y posiblemente la Tierra.

En la Historia de los mexicanos por sus pinturas1 se lee que, creado el mundo, los mismos dioses se convirtieron sucesivamente en sol para alumbrar el mundo. El primer sol fue Tezcatlipoca; pero después de 676 años, Quetzalcóatl le dio un golpe con un bastón, lo derribó del cielo hacia el agua y se puso a ser el Sol, al caer Tezcatlipoca en el agua, se convirtió en Jaguar, lo cual atestigua en el cielo la constelación de la Osa Mayor, el jaguar de Tezcatlipoca que sube hasta a lo alto del cielo para descender enseguida la mar. Transcurridos los 676 años el Tezcatlipoca dio una gran coz al sol Quetzalcóatl, con lo cual generó un gran aire que arrasó toda la tierra, entonces Tezcatlipoca colocó a Tláloc quien quedó transformado en el tercer Sol y alumbró 364 años, al fin de los cuales Quetzalcóatl lo quitó del oficio de ser Sol provocando que lloviera fuego lo cual acabó con la humanidad de esa era y colocó en su lugar a su esposa Chalchiuhtlicue la cual quedó tranformada en el cuarto sol por 312 años al final nuevamente Tezcatlipoca derriba a esta diosa generando así el diluvio que acabaría con su propio mundo creado, dando paso a un quinto intento de crear un mundo y una humanidad duradera, más equilibrada.

Rothko
Óleo sobre tela
100 x 100 cm, 2021
$4,000 USD

Rothko

Félix el gato y Mark Rothko fueron contemporáneos, aunque Félix había encontrado su estilo un poco antes. Ambos están relacionados con el jazz. Por alguna extraña asociación cuando escucho que la pintura de Rothko es muy espiritual, me viene a la mente la imagen de Félix el gato silbando. Los orígenes de Félix continúan cuestionados. Pat Sullivan, caricaturista y empresario de cine de origen australiano y el animador estadounidense Otto Messmer han afirmado ser los creadores, y la evidencia parece sostener ambas demandas. Muchos historiadores, incluyendo John Canemaker, afirman que fue Sullivan quien plagió a Messmer. Lo que es seguro es que el gato salió del estudio de Sullivan, y los dibujos animados que incluían al personaje disfrutaron de un enorme éxito en los años 1920. Paramount Pictures distribuyó las primeras películas entre 1919 y 1921. Margaret J. Winkler distribuyó los cortos entre 1922 y 1925, el año en que Educational Pictures asumió el control de la distribución de los cortos. En 1928, Education dejó de sacar los dibujos animados de Félix y muchos fueron reemitidos por First National Pictures. Copley Pictures lo distribuyó desde 1929 hasta 1930. Tuvo una breve resurrección en 1936 por Van Beuren Studios, pero la gloria de los viejos tiempos desapareció durante el breve paso del gato por el color y el sonido. Sullivan hizo la mayoría de la mercadotecnia del personaje en los años 1920.


Mark Rothko
Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto, a pesar de que en varias ocasiones expresó su rechazo a la categoría «alienante» de pintor abstracto. En 1925 inició su carrera como pintor en Nueva York de modo autodidacta. En torno a 1940 realizaba una pintura muy similar a la obra de Barnett Newman y Adolph Gottlieb, próxima al surrealismo y plagada de formas biomórficas. A partir de 1947 su estilo cambió y comenzó a pintar grandes cuadros con capas finas de color. Con el paso de los años, la mayoría de sus composiciones tomaron la forma de dos rectángulos confrontados y con bordes desdibujados por veladuras. Son frecuentes los grandes formatos que envuelven al espectador, con la finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística, ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura. Al final de su vida sus cuadros son de tonalidades oscuras, con abundancia de marrones, violetas, granates y, sobre todo, negros. Corresponde a esta época la Capilla Rothko de la familia De Menil, en Houston, un espacio de oración donde catorce cuadros rodean un espacio octogonal dedicado a la meditación.

Monocromo
Óleo sobre tela
100 x 100 cm, 2021
$4,000 USD

Monocromo

Pierre Soulages (Rodez, Aveyron, Francia, 24 de diciembre de 1919)1 es un pintor, grabador y escultor francés, representante del tachismo. Soulages también es conocido como «el pintor del negro» debido a su interés en el color («Al mismo tiempo es un color y un no-color. Cuando la luz se refleja en el negro, lo transforma y transmuta. Abre un campo mental propio»). Ve en la luz una materia con la que trabajar; estriando la superficie negra de sus cuadros le permite hacer que la luz se refleje, permitiendo que salga el negro de la oscuridad hacia la luz, convirtiéndose entonces en un color luminoso.

Beatriz Zamora. La serie El Negro puede comprenderse como la consolidación de la experimentación e investigación plástica de Zamora. En 1977, cambió de nuevo, hacía la creación de trabajos monocromáticos en negro haciendo uso de diferentes materiales tales como la obsidiana, carbón vegetal, metales oxidados, carbón mineral, piedras semipreciosas, entre otros materiales oscuros.1567 Su trabajo ha sido comparado con aquel del francés Pierre Soulages, en el hecho de que él era el único pintor en Europa dedicado al uso puro del color negro, al igual que ella es la única en América en hacer lo mismo. Sin embargo, sus trabajos artísticos se diferencian en estilo a los de Soulages. Cada una de las obras de esta etapa que aún continúa en proceso son tituladas simplemente Negro, seguido de un número de serie. Con estas obras, Zamora intenta representar la relación entre conceptos como el cosmos, la nada, la tierra, la verdad y el amor. Eduardo Rubio escribió en 1988 que “la obra de ningún artista mexicano ha desatado tantas pasiones y ha sido tan incomprendida como …(el de ella)”.6 El pintor José Zúñiga ha declarado que “Las pinturas de Beatriz no son entendidas, mayormente debido a la falta de información que poseemos sobre las tendencias artísticas hoy en día. No pienso que Beatriz improvise, como muchos han dicho, y lo que debo de celebrar es su audacia al mostrar su trabajo”.1 Al preguntarle porque ella sólo pinta en negro, responde “Por ninguna razón”.”El negro en si; su monotonía. Entre las galaxias, hay millones de años luz de este color en el universo. La Tierra es un fragmento de ese universo… El negro es el poder completo de la ley de la naturaleza y la base de mi trabajo”.5 Ella también menciona “Para simplificarlo, el negro es el tema porque es el absoluto, es cósmico e implica lo común y lo sublime como parte de la vida misma; también es un medio de comunicación como expresión y como fin… es el propósito de mi trabajo.”

Invisible
Óleo sobre tela
100 x 100 cm, 2021
$4,000 USD

Invisible

La invisibilidad es la cualidad de un cuerpo físico visible de no ser visto en condiciones de luz normales para un supuesto observador. Hasta principios del siglo XXi esta cualidad solo era posible en la naturaleza y se daba en gases y seres u objetos que, por su tamaño, el ojo humano no era capaz de captar sin ayuda de lentes u otra tecnología diseñada para tal menester. Los cientícos creen haber descubierto la forma de alterar el efecto de la luz sobre un cuerpo físico para conseguir el efecto de invisibilidad de forma artificial gracias a telas compuestas por estructuras electrónicas nanométricas. La consecución de este logro tiene importantes aplicaciones en la industria del espionaje y la guerra. sin embargo, también podría ser utilizado para la seguridad del ciudadano y una mejor observación de especies animales en su medio natural y mejorar la estética y la iluminación de algunos lugares en las que las edi caciones han creado un paisaje poco acogedor para el ser humano. Lla invisibilidad ha sido tratada en numerosas ocasiones por escritores y cineastas de cción ya sea cientí ca o mágica, casi siempre planteando el peligro que supone que este don caiga en malas manos. Un objeto puede ser clasi cado como «invisible» si no puede ser observado usando la vista por los factores ambientales haciendo que este no re eje luz. Un objeto que podría ser visible puede ser clasi cado como invisible si se encuentra en las condiciones de:
Estar detrás de un objeto.
Es del mismo color o apariencia que el fondo (camu aje).
Estar en un ambiente que es demasiado oscuro o demasiado luminoso.
Estar en el punto ciego del observador.
Estar alterando su propia apariencia, ya sea biológicamente (como un pulpo) o por tecnología (dispositivos portátiles, cámaras, alguna tecnología inexistente necesaria). (texto de wikipedia)

Blanco sobre blanco es una pintura abstracta de óleo sobre lienzo de Kazimir Malevich. Es uno de los ejemplos más conocidos del suprematismo. Fue pintado un año después de la Revolución de Octubre.

Características
Pertenece a la serie “Blanco sobre blanco” iniciado por Malevich en 1916. Representa un cuadrado blanco, retratado fuera del centro y en ángulo sobre un suelo que es también un cuadrado blanco de un tono ligeramente más cálido. Malevich prescinde de la mayoría de las características del arte representacional, sin sentido de color, profundidad o volumen, dejando una simple forma geométrica monocromática, asimétrica, con límites de nidos imprecisamente. Aunque está despojada de detalles, las pinceladas son evidentes. Malevich pretendía que la pintura evocara una sensación de otar, con el color blanco simbolizando el in nito, y la ligera inclinación de la plaza sugiere el movimiento.

Sin título
Óleo sobre tela
100 x 100 cm, 2021
$4,000 USD

Sin título

Roman Opalka (Hocquincourt, 27 de agosto de 1931 – 6 de agosto de 2011)1 2 fue un pintor polaco nacido en Francia. Sus padres eran polacos, de 1949 a 1956 estudió en la Escuela de Arte de Łód , y en 1951 en la Academia de Bellas Artes de Varsovia. Entre 1958 y 1960 fue profesor de arte en la Casa de la Cultura de Varsovia. En 1977 se instaló en Francia aunque es profesor invitado en la escuela de Bellas Artes de Düsseldorf y la Sommer Akademie de Salzburgo. Cuando esperaba a su esposa en un café de Varsovia y ella se retrasaba le llegó la idea de materializar la pintura del tiempo, así desde 1965 pinta líneas de números en orden creciente en óleos, con el de dejar una traza irreversible en el tiempo.

Pinta alrededor de 380 números por día. Sigue un proceso protocolario: utiliza lienzos de 196 x 135 a los que denomina Détail en el que dibuja los números blancos con un pincel no 0 sobre un fondo negro, comienza por la esquina superior izquierda y termina en la inferior derecha. En 1972 alcanzó el número un millón. A partir de ahí decidió añadir un 1% de blanco al fondo de cada tela con lo que casi ha alcanzado el blanco. Al acabar de pintar los números los enumera y graba esa enumeración con un magnetófono y al acabar cada Détail realiza una foto consistente en un autorretrato delante del cuadro siempre en las mismas condiciones técnicas y de iluminación; de este modo se percibe el paralelismo entre la secuencia creciente de números y el envejecimiento del artista. llegó hasta el número 5607249.

Libros fósiles

“Alejandro Magallanes recibió cien libros de economía de diversas tendencias, publicados entre 1953 y 1971, año de su nacimiento. Algunos de estos ejemplares jamás habían sido abiertos. Ni por su diseño, ni por sus hermosos materiales y acabados, ni por sus textos, estos libros encontraron lectores interesados en ellos. Habían permanecido en la librería A través del espejo y estaban por ser desechados. Libros sin lectores. Magallanes decidió sumergirlos en pintura blanca y dibujar sobre ellos respetando su estructura: portada, lomos y contraportada. El registro de estos libros fósiles, ya dispersos, se publica en este título, que pertenece a una colección de libros de dibujo. ¿Será que en el futuro este ejemplar corra la misma suerte que los libros fósiles publicados en él?

 

Verónica Gerber

 

Alejandro Magallanes no quiere escribir en este apartado en el que se expone la biografía de los autores y se describe desde el año de su nacimiento hasta sus libros o premios o logros. Sin embargo, quiere que exista un texto para que se respete el diseño de la colección. Entonces pensó que quizá sea mejor imaginar el futuro del autor, y en este pequeño apartado servirá como testimonio y confesión del porvenir: el autor quiere seguir haciendo cosas que le gusten y espera le gusten a algunas otras personas también; quiere conocer muchos lugares y ser feliz en la medida de lo posible y lo imposible (no abundará en las cosas que le dan felicidad). Al autor le dio muchísimo gusto que este libro haya agotado su edición y que usted tenga un ejemplar en sus manos y que esté leyendo esto en este momento, ya que significa que el futuro se ha convertido en presente y, piénselo bien: ¿no le parece sorprendente? Ojalá. Si sí, pues sí y si no, pues (etcétera).

Antes y después
Libro sumergido en pintura blanca con dibujos
20 x 14 x 3 cm
$950 USD

Clase de memoria
Libro sumergido en pintura blanca con dibujos
20 x 14 x 3 cm
$950 USD

Código
Libro sumergido en pintura blanca con dibujos
20 x 14 x 3 cm
$950 USD

Corrígeme
Libro sumergido en pintura blanca con dibujos
20 x 14 x 3 cm
$950 USD

Dos fósiles en el jardín
Libro sumergido en pintura blanca con dibujos
20 x 14 x 3 cm
$950 USD

El lado incorrecto
Libro sumergido en pintura blanca con dibujos
20 x 14 x 3 cm
$950 USD

El ritmo del algoritmo
Libro sumergido en pintura blanca con dibujos
20 x 14 x 3 cm
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Estupido
Libro sumergido en pintura blanca con dibujos
20 x 14 x 3 cm
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Ilustrativo narrativo
Libro sumergido en pintura blanca con dibujos
20 x 14 x 3 cm
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It is my work
Libro sumergido en pintura blanca con dibujos
20 x 14 x 3 cm
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It´s not him
Libro sumergido en pintura blanca con dibujos
20 x 14 x 3 cm
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Los peores recuerdos
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20 x 14 x 3 cm
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Mover una letra
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No clothes
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No había mucho
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Papa o piedra
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Pezón
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Quitar de inmediato
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Stupid fat lie
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Testimonios de una amistad
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The bald mermaid
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The complete spider songs
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This book changes its contents
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20 x 14 x 3 cm
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This will also dissappear
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20 x 14 x 3 cm
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Tonto
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Tu vida mal traducida
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Villa romana
Libro sumergido en pintura blanca con dibujos
20 x 14 x 3 cm
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vitratones
Libro sumergido en pintura blanca con dibujos
20 x 14 x 3 cm
$950 USD

Prensa

Alejandro Magallanes: 25 años diseñando para cine
Cineteca Nacional, Ciudad de México, México, 2019
Cineteca
TV UNAM


Alejandro Magallanes: entre mil nubes
Cineteca Nacional,Ciudad de México, México, 2019
Canal 22


La imagen invisible
Centro de la Imagen, Ciudad de México, México, 2019
Centro de la Imagen
Revista de la Universidad
La Tempestad


Memorial de Ilustraciones. Imágenes de Alejandro Magallanes
Centro Cultural Universitario. Biblioteca Pública del Estado de Jalisco Juan José Arreola
Canal 22


Figuras de papel: carteles de cine de Alejandro Magallanes
Quebec, Canadá, Cinémathèque Québécoise, 2018
Cinémathèque du Québec
20 minutos

115 carteles de Alejandro Magallanes diseñados entre 2010 y 2017
Casa del Reloj, Madrid, España, 2017
Dimad

Alejandro Magallanes: los libros que me han marcado
Biblioteca Vasconcelos, Ciudad de México, México, 2016
Biblioteca Vasconcelos
Ibero 90.9

Alejandro Magallanes. Imágenes Oaxaca Cine 2011-2016
Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), Oaxaca, México, 2016
Agencia Oaxaca
El Pais

Siempre di nunca
Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México, México, 2012 e Instituto de México en Madrid
TV UNAM
20 minutos
Proceso
Cuarto Oscuro
Hoy es arte

El librero de Alejandro Magallanes
Más Cultura

Alejandro Magallanes
Enciclopedia de la literatura en México

Érase una vez: Alejandro Magallanes
Sleepydays

Alejandro Magallanes
Ciudad de México, 1971

Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (1990-1993) / Universidad Nacional Autónoma de México. Eligió trabajar para las áreas culturales y sociales, donde ha hecho carteles, libros, emblemas, sistemas gráficos, animaciones, museografía, escenografía para museos, festivales, encuentros, universidades, editoriales, ONGs, productoras, revistas, galerías, y demás personas e instituciones comprometidas con la cultura.

Su trabajo como diseñador ha sido publicado en libros especializados en diseño gráfico, en editoriales como Phaidon, Thames & Hudson, Hesign y se han editado cuatro monografías / libros de su trabajo internacionalmente: en China (Alejandro Magallanes, Hunan Fine Arts Publishing House, 2005), Vodka Tequila en Francia, (Centre du Graphisme d’Échirolles, 2004, Dicho y hecho, Diputación de Huesca, España 2006 y Alejandro Magallanes, Alemania (PageOne 2008).

Ha expuesto su trabajo en Polonia, Japón, Hungría, Argentina, China, Holanda, República Checa, España, Canadá, Bélgica, Francia, Estados Unidos, Venezuela, Eslovenia, Rusia, Irán, Italia, Croacia y México, entre otros. Ha escrito mas de 10 libros para niños, cuatro de poesía, ensayo y libros de artista, entre ellos su primera novela. Desde hace mas de 10 años imparte clase en Centro, y en 2021 en la Facultad de Arte y diseño de la UNAM.

Piensa que las etiquetas son para quien las necesita.