sInv

La palabra sinestesia viene del griego, synjunto, y aesthesia, sensación. Se trata de una enfermedad neuro fisiológica en la que algunos escuchan colores, otros experimentan sensaciones gustativas al tocar algún objeto, etc. En las artes, la idea de la sinestesia ha conformado el pilar de un nuevo espacio en donde han surgido distintas metáforas entre lo visual y lo sonoro, entre la música y la literatura, la pintura y la música, la poesía y los distintos sentidos de nuestra percepción. Es un lugar en el que existe la obsesión de traducir de un medio hacia el otro, de encontrar las complementareidades entre lo negativo y lo positivo, lo cálido y lo gélido, lo dulce y lo amargo. Desde el siglo XVIII, científicos como Newton buscaron las correspondencias entre los colores y los sonidos. En el siglo XIX, los poetas simbolistas incorporaron estos principios en sus escritos en aras de encontrar un arte total, búsqueda que halló su plenitud en las primeras vanguardias artísticas de inicios del siglo XX.

La sinestesia es una enfermedad en las artes, pero es también una especie de vacuna manufacturada con su propio veneno. Los artistas que no logran conformarse con un solo oficio disciplinar, y que sienten la urgencia de traducir sus ideas a través de otras prácticas, de otros lenguajes, se vuelven bífidos, trífidos y hasta polífidos. En realidad, nuestra percepción siempre ha funcionado dentro del paradigma de la simultaneidad, y sabemos por otro lado que las polaridades son relativas, que una partícula es al mismo tiempo una onda, y una onda una partícula, que un hombre es una mujer, y una mujer es un hombre. Este miedo infundido por la maquinaria social a una pérdida de la identidad, del oficio, del género, nos ha vuelto anestésicos (de la raíz griega anesthesia = insensibilidad).

Sinestesia es una exposición de distintos creadores mexicanos que buscan su curación en la propia enfermedad, en el propio vicio de querer ver, escuchar y degustar otras cosas a partir de un lugar, de una idea. Son drogadictos, adictos a la búsqueda de sensaciones paralelas y nuevas. Ellos no tienen que ingerir LSD, tan solo necesitan deshacerse de lo anaesthesico, buscar la simultaneidad y las correspondencias desde el oficio propio de cada cuál, perseguir el arcoiris perdido del Gesamkunstwerke, o cuando menos practicar un arte polisémico, multifacético y holistico que exprese de mejor forma la complejidad de nuestro espíritu.

Manuel ROCHA Iturbide  

julio 2017

Antonio Fernández Ros

Espectograma 
impresión digital sobre papel
56 x 50 cm | 2017 

Fdez Ros

La serie “Espectrograma” es una representación tridimensional de la palabra “logos” pronunciada por el autor. El eje vertical representa a todas las frecuencias presentes en la palabra en determinado instante. El eje horizontal marca el tiempo transcurrido. Y el tercer eje, perpendicular al tiempo y a la frecuencia representa la intensidad o volumen con el que se presenta cada frecuencia. Mientras más cerca esté la frecuencia al color amarillo o al blanco mayor es su intensidad. Por el contrario, el negro y los colores oscuros representan frecuencias de intensidad prácticamente imperceptibles.

Antonio Fernández Ros (México DF., 1961) 

Estudió composición en la Escuela Nacional de Música. Obtiene la licenciatura en composición en el Mannes College of Music de la ciudad de Nueva York y realiza estudios de posgrado en la City University of New York. Mediante una beca del gobierno francés hace una especialización en música por computadoras y nuevas tecnologías en París, donde trabaja en el IRCAM, en el GRM y con I. Xenakis en la Sorbona. Fue coordinador del Laboratorio de Música por Computadoras de la Escuela Nacional de Música. Ha recibido la beca para jóvenes creadores y el apoyo a co-inversiones por parte del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes de México y ha sido acreedor de una beca de la Fundación Rockefeller. En 2013 obtiene el premio EPROMUSICA por parte del gobierno mexicano para realizar una obra para voz y medios electrónicos. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores del FONCA. Ha realizado exposiciones individuales en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo y el Museo de Arte Carrillo Gil.
La música de Antonio Fernández Ros ha sido escuchada en el Merkin Hall de Nueva York, la Brooklyn Academy of Music, el Festival Internacional Cervantino, y diversos festivales en Latinoamérica y Europa. Ha sido interpretada por agrupaciones como la Filarmónica de la Ciudad de México y la Filarmónica de Brooklyn bajo la dirección de Lukas Foss.

 

 

 

Manuel Rocha Iturbide

Radiografías VI y VII 
Grafito sobre papel de arroz 
100 x 196 cm  |  díptico  |  2017 

(acciones realizadas durante Zona Maco 2017)

Rocha01
Obra gráfica realizada a partir de la escultura empty piano, un piano desarmado que queda casi completamente vacío salvo por su arpa y sus cuerdas de acero. A éste piano que ya no puede ser tocado de manera tradicional se le efectuaron radiografías metafóricas colocando distintos papeles del tamaño del arpa y realizando frottages (técnica que consiste en frotar un lápiz o pedazo de grafito o carbón sobre un objeto) y golpages (misma técnica descrita anteriormente pero a partir de golpes con baquetas de percusión cubiertas de grafito o carbón en polvo). Este es uno de los resultados gráficos de estos procesos (más cercano al frottage que al golpage), una especie de imagen fotográfica que nos recuerda al sudario de Jesucristo (el manto con el que fue cubierto después de morir en la cruz que fijó su cuerpo). Para generarla, fue necesario volver a hacer vibrar el esqueleto del piano, frotar y golpear sus cuerdas con pedazos de carbón, de grafito y baquetas. 
Manuel ROCHA ITURBIDE (México DF., 1963)
Compositor, artista sonoro, investigador y curador. 
Estudia la licenciatura en la UNAM, maestría en Mills College, y un doctorado en el área de Música y Tecnología en la Universidad de París VIII. Su música ha sido ejecutada en varios continentes recibiendo encargos del Instituto IMEB de Bourges, Festival Cervantino, Cuarteto Arditti… Ha sido beneficiado con las becas del SNC  de México, del Banff Center for the Arts, de la Fundación Japón. Ha ganado premios en los concursos Luigi Russolo de Italia y de Música Electroacústica de Bourges, Francia, entre otros. Co-fundó y fungió como curador del festival internacional de arte sonoro de 1999 a 2002. Algunas exposiciones importantes en las que ha participado son: Galería Chantal Crousel (París, Francia, 1994), Lines of Loss en Artists Space (NY, 1997), Bienal Internacional de Sidney (Australia, 1998), Project Rooms de la Feria ARCO (1999), Nothing en Roseeum (Malmo, Suiza, 2001), AVATAR (Quebec, Canadá, 2002), Koldo de Mixtelena (San Sebastián, España, 2007), Forum Internacional de las culturas (Monterrey 2007), McBean Gallery (San Francisco, California 2010), Xng Dong Chaeng Space for Contemporary Art (Pekin, China 2011), MuAC (México DF. 2012),  galería le laboratoire (México DF. 2012 y 2014); Fundación Prada (Venecia, 2014), Zona MACO 2013 (Premio 1800 José Cuervo), 2014 y 2015. Rocha ha dado cursos de Historia del Arte y Estética (1987-88), música por computadora (Universidad de París VIII , 1995-96), arte interactivo (Centro Multimedia 1997-1998) y arte sonoro (Esmeralda), entre otros.

 

 

Michael Nyman

Numbers 
Papel luster laminado y montado sobre sentar negro
135 x 120 cm | 2015 | edición de 8 + pa

Nyman

Michael NYMAN (Londres, 1944) es compositor, videoartista, escritor y cineasta. Reconocido por las bandas sonoras que ha compuesto para otras cineastas desde 1976, su trabajo visual ha emergido en los últimos cinco años como complemento a su proceso creativo.


Ha grabado alrededor de sesenta películas, todas bajo el nombre de Cine Opera, que tratan sobre la cotidianidad del día a día y sus sucesos espontáneos, vistos desde el disciplinado punto de vista de un curioso. En septiembre de 2010, Nyman presentó su primer largometraje: Nyman with a Movie Camera, una reconstrucción plano a plano de la icónica man with a Movie Camera de Dziga Vertov, para la cual escribió en 2002 una imperativa banda sonora. NYman with a Movie Camera se ha mostrado en los Festivales de Cine de Toronto, Turín y Berlín, y algunas de las películas de Cine Opera se han proyectado en el Festival de Cine de Copenhague, BAFTA y en espacios para conciertos, cine y arte en Morelia, Ciudad de México, Estocolmo, Venecia, Moscú, Perm, Nottingham, Berlín, Sydney y Nueva York.
Nyman ha colaborado con varios artistas contemporáneos como Bruce McLean, Mary Kelly y, más recientemente, con Kulug Ataman. En 2008 publicó Sublime, su primer libro de fotografía, el cual contiene más de dos mil imágenes de su archivo. En 2009 se presentó en De la Warr Pavillon, Bexbill-on-Sea, la mayor exposición en Reino Unido de su trabajo de fotografía y video. Michael Nyman también ha expuesto en diversas instituciones públicas como la Tate Modern, el Museo Reina Sofía y el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

 

 

Ricardo Pohlenzn

 

Nada en el columpio 
Poesías visuales 
impresiones sobre papel universal
45 x 33 cm / u | 2017 | piezas únicas

Pohlenz
La materialidad de las palabras es algo que se escapa, digamos -en su doble naturaleza- a lo aprehensible. Se ve y no se ve, o más bien, se ve y se deja de ver, como el vaho que deja el aliento sobre vidrios y espejos. Es una evidencia, una manifestación, un rastro que queda, invisible a los ojos, sobre una superficie y la siguiente. Nuestra relación con las palabras es semejante a la que tenemos con las cosas –están ahí, se usan, se mueven, se buscan, se pierden- mientras juegan a ser cosas y a ser las cosas que dicen las cosas. Es algo que se dice (es más, es algo que se dice y que tiene un sentido o no) pero también es algo que se escribe para decirse. Se dice cuando lo lees, pero no deja de decir cuando no lo lees, o más bien; no dice sino cuando lo lees, pero mientras tanto, está listo para ser leído. Existe en un estado latente, como cualquier otro utensilio o herramienta. Es un tema tan antiguo como los utensilios y las herramientas, como el lenguaje que las dice y las hace. Las herramientas y los utensilios tienen una materialidad que no es comparable a la de las palabras que las nombran (o para el caso, el dibujo que las representa), y aún, cumplen un propósito semejante en la ilusión de que son extensiones. Cuando digo la mano que empuña el martillo y el brazo que lo levanta, describo la acción. Cuando dijo el ruido que produce el golpe del martillo utilizo una interjección y la adorno (o no) con signos exclamativos. Pero puedo ir más lejos y estamparla –con sellos tipográficos, por ejemplo- que emulen y no a los robos, préstamos y apropiaciones que determinaron el uso de este recurso en distintas geografías y con diversos fines a lo largo del último siglo, que sean una cosa y la siguiente, que digan una cosa y la siguiente.

Es de Dadá para acá.

Las evoluciones, las rupturas, las ausencias y las discrepancias de un ruido –de una forma de hacer ruido y de representarlo- es comparable al del avión, que se reconoce, que se dice avión, de una y otra manera, se dice en lugar de o se imita: se hace sh o iii o vrom mientras se emula con la mano el cuerpo que vuela o se dibuja una estela blanca en el cielo o se dice estruendo o se describe como el ruido de hacen las turbinas (y que uno imita con el aire que pasa entre los dientes o entre los labios o desde la garganta). Las estampas son sellos. Los sellos son timbres. Los timbres son estampas. Hago trampa entre un sentido y el siguiente y entre el timbre que pego y el timbre que toco (o que están tocando) las palabras suenan, resuenan, se vician y se pierden, se colorean y amplifican en las paredes de nuestra cabeza. Va y viene, va y viene, dentro de ese necio diapasón de texturas, sonoridades y sentidos.


Ricardo Pohlenz (Puebla, 1965)
Escritor, poeta y crítico.
Es autor del libro de relatos Lounge, los libros de poemas visuales El azul del cielo, Cetacea, Bac Kga Mon, Cad Amo Sto, Avión de latón y el libro de varia La vocación de submarino.
Ha colaborado en diversas publicaciones entre las que destacan Flash Art, Art Nexus, Vuelta, Letras Libres, Errr, Icónica, Mula Blanca, Reforma, la Revista de la Universidad, Biblioteca de México, entre otras.
Hizo con Fernando Díaz Corona el grupo de vodevil posmo Ositos Arrítmicos de Lemuria (que puede escucharse en soundcloud) y fue curador de las muestras de poesía sonora Verbatim Vortex y Sonorama en el Museo Experimental el Eco. Ha impartido cursos y talleres en diversas instituciones como la Universidad Iberoamericana, la Fundación Jumex, SOMA, el Claustro de Sor Juana, el ITAM y el Centro de Diseño Cine y Televisión. Ha tenido una larga trayectoria como editor, creador, productor y guionista en diversos medios. Fue director editorial de la revista de variedades El Huevo entre 2000 y 2007.
Condujo el programa “La vocación renacentista del mil usos” en radio.centrocultura,digital.mx (que también puede escucharse en soundcloud) y dirige el Taller de poesía visual en Taller Prosperidad. Lleva a cabo nuevos proyectos de narrativa situacional, poesía experimental y estrategias educativas.

 

 

Vicente Rojo Cama

Inmersión
Globos inflados con helio y aire, bocinas
Medidas variables | 2017 | pieza única + pa

Rojo Cama
 

Partiendo de la premisa de Sinestesia, Inmersión propone entrar de lleno a un espacio en el cual los sentidos se transformen, una claustrofobia de sensaciones físicas y sonoras. Rodear al espectador de elementos que transmitan una perdida de los parámetros espaciales a través del sonido y un espacio restringido.
Las frecuencias sonoras no sólo entran por el oído, el cuerpo las siente y resiente. Inmersión es una matriz regresiva a las sensaciones primarias inconscientes y semiolvidadas pero presentes en nuestro subconsciente. Realidades relativas y paralelas a la cotidianeidad. Una experiencia donde se pretende dar una vuelta de tuerca a nuestro sentidos.


Vicente Rojo Cama (1960, México D.F.) Estudió composición electroacústica en el Conservatorio Superior de París
(1979-81), en el estudio Phonos de Barcelona (1981) y música por computadora en el Brooklyn College (1985), en el sistema UPIC en Francia (1987) y en la Universidad de Stanford (1994). En 1982 a 1995 se integra al estudio de Antonio Russek junto con el cual realizó los primeros conciertos de música electrónica en vivo en México (1982) hasta la fecha. Durante una década este espacio se convirtió en el punto focal de la creación, experimentación y difusión de la música electrónica y el arte sonoro en México.Debido a su interés en otras disciplinas colabora con diversos artistas. En fundador del grupo Atte. La Dirección, colectivo dedicado al performance, la multimedia y la instalación (1982-97). Paralelamente a la creación sonora, ha desarrollado un trabajo personal en el terreno del arte digital, la instalación, la escultura, el diseño gráfico y recientemente la fotografía. Su obra se ha presentado en México en la mayoría de los museos, galerías y festivales más importantes del país. En el extranjero su obra se ha presentada en Nueva York, París, Venezuela, Cuba, Madrid, Londres y Polonia entre otros. Ha obtenido premios, becas y reconocimientos nacionales e internacionales por su trabajo como compositor y diseñador. Formó parte del Sistema Nacional de Creadores (2012-2014).

 

 

Guillermo Santamarina

Cajetillo de cerillos y foco
Medidas variables | 2017 | pieza única + pa

Santamarina

La sinestesia es una enfermedad en las artes, pero es también una especie de vacuna manufacturada con su propio veneno.


Guillermo Santamarina Ha expuesto su obra de manera intermitente desde 1978.
Su proceso multidisciplinario integra obra gráfica, pintura, escultura, texto, videoarte, performance o arte sonoro, y en efecto, se ha enfocado en la organización de instalaciones que agrupan esos soportes, muchas veces para situaciones específicas, además de un énfasis en el modelo de la experiencia performática. Su proceso creativo asimila de manera fundamental el concepto de asociación transversal, tanto por las conversiones, intervenciones y glosas a obras y discursos filosóficos insertos en la historia del arte y la cultura popular, así como por el ejercicio directo de la colaboración y la coautoría. En efecto, su obra intenta prescindir de estilización característica, e incluso explora la sintaxis heterodoxa y el concierto políptico, semejante a la estructuración curatorial de emplazamientos colectivos.
Recientes muestras colectivas donde participó fueron Fetiches críticos: residuos de la economía general (Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2010 y Museo de la Ciudad de México, 2011); Sonorama (Museo Universitario del Chopo, 2013); Pulso alterado (MUAC, 2013); Sonoplastia (Museo Contemporáneo de Oaxaca, 2014); Infierno artificial (Museo Universitario del Chopo, 2015). Exposiciones individuales recientes serán Frei von jedem schaden! (Universidad del Claustro de Sor Juana, 2007); Proyecto icosocrónico en la escultura El pájaro amarillo de Mathias Goeritz (Guadalajara, 2008); Cantos revolucionarios del corazón (Galería Gaga, 2008); Coloquia (Galería Gaga, 2011); Sujeto no objetivo (Museo Experimental El Eco, 2014); Maqueta para un monumento a los poetas infrarealistas (Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, 2014). Obras de su autoría se encuentran en acervos privados y públicos, como en Colección Jumex, Fundación Alumnos 47, y Museo Universitario de Arte Contemporáneo (UNAM).
También se ha desempeñado profesionalmente como curador de arte contemporáneo y moderno, organizando más de 500 muestras entre 1981 y 2015, para instituciones públicas, espacios o eventos privados, y citas generadas por él mismo, dentro y fuera de México.

 

 

Rogelio Sosa

Applause
Caja de luz con letrero luminoso intermitente
70 x 15 x 20 cm | 2007

Sosa

Aplausos es una pieza concebida en 2007 que corresponde a una serie de obras que giran en torno a el sonido y el soporte sonoro en los medios de comunicación masiva. Otras piezas de ese periodo son “Medios vacíos” (2006) y “Feedback bouquet” (2007).
Esta pieza se exhibe por primera ocasión y consiste en un letrero luminoso que de manera aleatoria e intermitente se prende y apaga asemejando un corto circuito. La obra busca generar una reflexión sobre la relación de control y sometimiento que existe entre la industria del entretenimiento y sus audiencias.


Rogelio Sosa (México, D.F., 1977).
Es compositor, artista sonoro y promotor cultural. Su práctica artística comprende composiciones instrumentales y electroacústicas, proyectos de improvisación con medios acústicos y electrónicos, colaboraciones audiovisuales y escénicas, así como instalaciones y acciones sonoras.
Realizó estudios de música electrónica en los Ateliers Upic y en el IRCAM en Paris. En 2003 obtuvo una maestría en música y tecnología en la Universidad de Paris VIII.
Desde 2004 radica en la Ciudad de México. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores y director del Festival Aural.
Su obra se ha publicado en los sellos discográficos Bocian Records de Polonia, Mode Records e Important Records de Estados Unidos y Sub Rosa de Bélgica.
Dentro de los premios y distinciones más importantes que ha recibido están el Premio Nacional de la Juventud en Artes, el Premio Nuevas Resonancias, el Apoyo a la Producción e Investigación en Arte y Medios del Centro Multimedia y el premio Visiones Sonoras en México. El Concurso de Música Electroacústica SCRIME y el Concurso de Música Electroacústica del IMEB en Francia. Así como el Concurso de Música Electroacústica EAR en Hungría y el Concurso de Música Electroacústica Luigi Russolo en Italia.

 

 

Roberto Turnbull

Artefacto de ruido gris
instalación sonora
200 x 122 cm | 2017

Turnbull

Los impulsos son controlables en su velocidad y enviados a bocinas de diferentes rangos. Pero al final se crea una sucesión de ruidos rítmicos pero sin patrón, irrepetible.


Roberto Turnbull (México, D.F., 1959).
Recibe premios de adquisición en 1992, 1998 y mención honorífica en 2006 en la Bienal Nacional Rufino Tamayo, y el premio Omnilife en Guadalajara en 1994. Ha realizado exposiciones individuales en las principales galerías y espacios del país: Museo de Arte Carrillo Gil (1985), Sala de Arte Público Siqueiros (1992), Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (1995), Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara (2000), Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México
(2000 y 2008). Ha formado parte de numerosas colectivas alrededor del mundo como en Estados Unidos, Japón, Noruega, Canadá, Colombia, Bélgica y Francia. En 1989 participa en diversas bienales como la Bienal de la Habana y la Bienal de Cuenca,
Ecuador. Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas del país y
en el extranjero, entre otros en el MoMA de Nueva York.
Acaba de presentar su tercera exposición individual “Nuevas apariencias” en la galería Le Laboratoire, y participará con la galería a ZONA MACO FOTO 2017 en septiembre.

 

 

Guillermo Santamarina, Emilio Valdés, Mauricio Orduña

Maqueta

Maqueta para un monumento sobre la contemplación del destino, entre sinestesias y entropías
Autorretrato escultorico hiperrealista de Emilio Valdés
Medidas variables | 2017 | pieza única

Alguien pensará que Emilio no quiere estar aquí, y que aunque tampoco es feliz en otros lugares, preferiría estar en su contexto habitual, y ahí eventualmente confrontar en silencio su destino.
Ahora un capricho ajeno, y una urdimbre en movimiento de significantes (aparentemente concretos en algunos contextos, pero abstractos en otros), cuyos planteamientos autoritarios, y paradójicamente especulativos sobre la voluntad individual, lo han determinado a donde se encuentra, por ahora quizá irremediablemente: contemplando otro destino al que está obligado a rendirse.

En un supuesto de representación del dar y recibir. Aunque, tal vez esa balanza no ocurre como tal, y actualmente su entrega (obligada) es superior a las inyecciones que aquí le suministran intermitentemente. Inyecciones de cierto toque humano, acaso estereotipado, cuyo despliegue sistemático parece ya precipitarse a otra cadena probablemente inmutable, distorsión de su forma previa, perversa, y muy probablemente supeditada a una patología.
Y esa patología podría ser una aberración de la arquitectura de la mente que en el paisaje contemporáneo de la realidad no material, seguramente después de un próximo sismo,
la adivinamos en potencia a perpetuarse como minusválido vestigio de las facultades humanas del escuchar, del evocar, y de su libre lenguaje.
Compuesta con el autorretrato escultórico hiperrealista de Emilio Valdés (por cortesía del mismo y de Luis Adelantado), con una intervención (plunderphonia) de Mauricio Orduña a la canción How much, how much I love you de Love & Kisses (Alec R. Constandinos), por Guillermo Santamarina (por cortesía de House of Gaga, México) para Le Laboratoire.

 

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