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Différance
(la a en vez de la e)

Lo que es distinto es diferido... la voz de en medio que precede y establece la oposición entre lo pasivo y lo activo... un ensamblaje como unión de dos palabras diferentes, diferente diferido.

De este modo comienza la conferencia que Jaques Derrida dió en la sociedad francesa de filosofía el 28 de enero de 1968, previa a los disturbios estudiantiles y sociales de ese emblemático año. Para el filósofo, Différance es una palabra inventada ya que una a substituye a la e. Dos paradojas surgen: la a no cambia la pronunciación de la palabra (no suena); Derrida no desea crear un concepto nuevo (la unión de dos palabras), pero lo hace a pesar de si mismo dejando una huella profunda en el pensamiento filosófico actual.

Diferir es temporalizar, es crear un espaciamiento, es espacio convirtiéndose en tiempo y el tiempo volviéndose espacio. Para Derrida es imposible asir el presente, mostrarlo en sí mismo, tenemos que significar, desviarnos a través de una cadena o sistema dentro del cual un signo se refiere a otros conceptos gracias al sistemático juego de las diferencias.

De esto trata esta exposición, de la imposibilidad del arte de mostrar a un utópico ser único, al objeto artístico en sí. Vivimos en una serie de espejos oblicuos en donde la idea original no existe, solo existe la huella, el efecto sin la causa, o la huella de la huella, de la huella... Hemos incluido aquí la obra de 7 artistas mexicanos pensando en esta sucesión de ecos sonoros, en donde cada uno de ellos es distinto del que lo precede. Del mismo modo, las obras todas juntas son diferencias diferidas, no están ligadas las unas con las otras más que en el subconsciente del visitante, que tal vez (de manera diferida), pueda encontrar una nueva diferencia, un nuevo eco.

La différance en esta exposición puede ser la incomunicación, una interpretación errática que no obstante revela ideas nuevas (G. Galindo), pueden ser las diferencias de un origen diferido (M. Rocha Iturbide, V. Rojo Cama, G. Santamarina, JP. Villegas), puede ser la acumulación de diferencias - signos - en una sola palabra - un solo signo - (D. Lara), o pueden ser las diferencias entre el mensaje aural y el mensaje escrito (R. Arcaute). Différance  es una exposición que se desdobla en una época tardo capitalista en la que los orígenes parecen haber dejado de existir, solo nos quedan los vestigios, los efectos. Acaso nos hemos quedado sin ideas nuevas?. Aunque el origen pudiera haber dejado de existir, o nunca haya existido, subsisten sin embargo las transformaciones que vagamente lo recuerdan, cada una de ellas enigmática, emblemática y diferente de las demás. Ellas nos validan, nos hacen únicos, nos hacen diferentes.

 

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“Under Mark Woody, not good”, Manuel Rocha Iturbide
escultura-instalación sonora

Con la colaboración de Roberto Arcaute, Guillermo Galindo, Daniel Lara, Vicente Rojo Cama, Guillermo Santamarina y Juan Pablo Villegas  medidas variables, 2014, pieza única + pa

 

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En 2006 invité a cenar a Juan José Gurrola para preguntarle acerca de su enigmático LP, En busca del silencio / Escorpión en Ascendente. Cuando terminamos la entrevista me invitó a su estudio, me mostró su sintetizador y me puso algunas grabaciones de sus improvisaciones. Antes de irme me regaló el cassete (la única copia) de varios de sus debralles musicales hechos en 1999. Llegando a mi casa lo escuché con ilusión para descubrir que lo que allí había grabado (sólo 24:23 minutos del lado A) no tenía nada que ver con las sofisticadas experimentaciones grabadas en su LP (publicado en 1970). En años recientes se le ha rendido un particular culto a varias de las obras de Juan José, pero sobre todo, ha habido un rescate de distintas cosas que hizo que a la fecha están extraviadas o en el archivo resguardado por su familia. Por poner algunos ejemplos, de el LP grabado en 1970 solo conozco dos copias, de un performance que hizo en Banff en 1998 y en donde yo aparezco, a la fecha desconozco si existe alguna copia del video del registro.

UNDER MARK WOODY. not good. 1999 es una obra esta inspirada en un vestigio contemporáneo, el cassete que me regaló JJ y  que lleva por título la inscripción a mano que él mismo pegó sobre el lado A. Decidí encapsular la única copia existente de este audio efímero grabado y preservado en una cinta para que nadie pueda escucharlo. Se trata de una différance del registro de varias improvisaciones mal grabadas, que no conforman una realidad posible, el registro no es la acción original llevada a cabo por Gurrola, es una representación que me interesó más como un nuevo punto de partida para la interpretación que varios artistas sonoros pudieran darle. Invité a los 7 artistas de esta exposición a crear 7 intervenciones que duran en su conjunto lo mismo que el audio del cassete de Gurrola. Son ecos diversos diferidos que surgen de un audio que no se dará a conocer nunca, y que se quedará dentro de esta cinta, capturada y encapsulada, y a su vez diferida, pero no hacia el futuro sino hacia un pasado incierto.

 

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“Presencia”, Juan-Pablo Villegas
Acción y video 4k (15 min), medidas variables, 2014, pieza única + p.a.
Con la participación de Stéphanie Janaina y Andrés Oriard.

Un cuerpo en el que indagamos sobre la apariencia del objeto animado y su entorno.

 

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Juan-Pablo Villegas (Ciudad de México, 1986). Mi trabajo se ha desarrollado a partir de pensar lo cinematográfico como una manera de reunir mi interés en la imagen y el sonido. He tomado como punto de partida la percepción del cuerpo a estímulos externos y cómo influye en nuestra experiencia individual y colectiva. Las herramientas que utilizo son derivadas de principios audiovisuales que permiten reflexionar al cambiar la forma en que son usadas convencionalmente. En años recientes he investigado en torno a temas relacionados con la traducción y la ampliación del espectro sensible, la condición animista de los objetos y la formación de lo psicosomático.

 

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“Washington Phillips”, Guillermo Santamarina
Dispositivo lumínico en base a una memoria sonora, 120 cm de diametro x 4 cm, 2014
Pieza única

En colaboración con Alfredo Martínez, Juan Pablo Villegas y otros.

«Por la anatomía de este mandala circulan una voz y los timbres metálicos de letanía conducida por un par de instrumentos parecidos al salterio.

 

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Fluyen pero no se escuchan. Dispositivo que también puede ser definido como vehículo gnóstico e intento de revelación divina, configurados por la lectura del registro de la obra completa de Washington Phillips (Enero 11, 1880 – Septiembre 20, 1954), cantante texano de góspel quién grabó entre 1927 y 29 estas 18 canciones, contenidas independientemente en los 3 anillos concéntricos en la cara de esta escultura cibernética. Al mismo tiempo ilumina un macrocosmos correspondiente a sus valores (espirituales) constitutivos, en asimilación gótica, como la Rosa de la Catedral de Chartres, emanándose fantasmagóricamente -clic, clic, clic- en un contexto proverbial, dispuesto para el remoto encuentro de una logia melómana».

 

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Guillermo Santamarina Ha expuesto su obra de manera intermitente desde 1978. Su proceso multidisciplinario integra obra gráfica, pintura, escultura, texto, videoarte, performance o arte sonoro, y en efecto, se ha enfocado en la organización de instalaciones que agrupan esos soportes, muchas veces para situaciones específicas, además de un énfasis en el modelo de la experiencia performática. Recientes muestras colectivas donde participó fueron Fetiches críticos: residuos de la economía general (Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid, 2010 y Museo de la Ciudad de México, 2011); Sonorama (Museo Universitario del Chopo, 2013); Pulso alterado (MUAC, 2013); Sonoplastia (Museo Contemporáneo de Oaxaca, 2014); Infierno artificial (Museo Universitario del Chopo, 2015). Exposiciones individuales recientes serán Frei von jedem schaden! (Universidad del Claustro de Sor Juana, 2007); Proyecto icosocrónico en la escultura El pájaro amarillo de Mathias Goeritz (Guadalajara, 2008); Cantos revolucionarios del corazón (Galería Gaga, 2008); Coloquia (Galería Gaga, 2011); Sujeto no objetivo (Museo Experimental El Eco, 2014); Maqueta para un monumento a los poetas infrarealistas (Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, 2014). Obras de su autoría se encuentran en acervos privados y públicos, como en Colección Jumex, Fundación Alumnos 47, y Museo Universitario de Arte Contemporáneo (UNAM). También se ha desempeñado profesionalmente como curador de arte contemporáneo y moderno, organizando más de 500 muestras entre 1981 y 2015, para instituciones públicas, espacios o eventos privados, y citas generadas por él mismo, dentro y fuera de México.

 

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“Sin titulo”

Vicente Rojo Cama, partitura visual en acetato sobre pared, medidas variables, 2015, pieza única+ pa Esta intervención de sitio específico hace eco, como contraparte silente, de la otra intervención sonora realizada en la cocina. Ambas obras establecen un diálogo con la arquitectura / memoria del lugar, una sonora, la otra visual y con alusión a la poesía sonora, funcionando como una partitura que se despliega en la arquitectura en los componentes estructurales del lugar.

 

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Vicente Rojo Cama (1960, México D.F.) Estudió composición electroacústica en el Conservatorio Superior de París (1979-81), en el estudio Phonos de Barcelona (1981) y música por computadora en el Brooklyn College (1985), en el sistema UPIC en Francia (1987) y en la Universidad de Stanford (1994). En 1982 a 1995 se integra al estudio de Antonio Russek junto con el cual realizó los primeros conciertos de música electrónica en vivo en México (1982) hasta la fecha. Durante una década este espacio se convirtió en el punto focal de la creación, experimentación y difusión de la música electrónica y el arte sonoro en México.Debido a su interés en otras disciplinas colabora con diversos artistas. En fundador del grupo Atte. La Dirección, colectivo dedicado al performance, la multimedia y la instalación (1982-97). Paralelamente a la creación sonora, ha desarrollado un trabajo personal en el terreno del arte digital, la instalación, la escultura, el diseño gráfico y recientemente la fotografía. Su obra se ha presentado en México en la mayoría de los museos, galerías y festivales más importantes del país. En el extranjero su obra se ha presentada en Nueva York, París, Venezuela, Cuba, Madrid, Londres y Polonia entre otros. Ha obtenido premios, becas y reconocimientos nacionales e internacionales por su trabajo como compositor y diseñador. Formó parte del Sistema Nacional de Creadores (2012-2014).

 

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“Open letter / Carta abierta”, Guillermo Galindo
Video monocal, 2015, pieza única + pa

 

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El video presenta un quiebre entre la información textual referida por un interprete y su transcripción / traducción mediante software de dictado que solamente transcribe en inglés. El intérprete hace lectura de una carta dirigida al presidente de Estados Unidos, Barack Obama, escrita por el poeta mexicano Javier Sicilia. El orden de lo absurdo se introduce en esta obra en el violento contraste entre las palabras de denuncia del autor y los errores de traducción del programa, haciendo hincapié en las imposibilidades de comunicación.

La obra musical de Guillermo Galindo se basa en la experimentación y redefinición de los limites que conforman la creación sonora y la composición musical. Su interpretación de conceptos como forma, percepción temporal, notación, arquetipos sonoros y el uso de instrumentos y técnicas instrumentales alternativas forman un amplio catalogo de obras que abarca sinfonías, obras de cámara y solistas, electroacústica, performance, instalación sonora, artes visuales, interacción virtual, opera, cine, video, construcción de instrumentos originales e improvisación en vivo. Sus composiciones han sido ejecutadas y sus piezas han sido  mostradas en  salas de conciertos, galerías, festivales y museos en America Latina, Europa y Asia. Numerosos documentales y artículos sobre su trabajo se han transmitido o publicado por la BBC (Londres), Vice Magazine (Londres), National Public Radio (E.U.), CBC (Canada), The California Sunday Magazine y el New Yorker.

 

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“Monk Monkey Key”, Daniel Lara
Composición sonora y gráfica, medidas variables, 2015, 5u + pa


Es una composición sonora y gráfica, que parte de tres palabras aisladas cuya única relación entre ellas es la fonética de las mismas: Monk (monje), monkey (mono) y key (llave).

La obra utiliza aplicaciones que traducen texto a voz para establecer juegos fonéticos y trabalenguas. A nivel de imagen, las tres palabras pueden representar simbólicamente su significado, Monk nos refiere a una vocación u oficio; Mono a una especie animal; Key tiene como referencia a un objeto. De igual forma los tres elementos se muestran de manera sonora: monjes tibetanos cantando, chimpancés haciendo sus sonidos característicos, pero ¿como suena una llave? ¿Es posible llegar a una forma abstracta por medio de símbolos que la componen?

 

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Daniel Lara (Monterrey, 1976) se ha dedicado desde el inicio de su carrera (1999) a experimentar con tecnología obsoleta y ordinaria para crear sus artefactos sonoros y eventualmente colaborar en proyectos de net art, música electrónica y multimedia para actos en vivo vinculados al performance. En 2008 funda con Kai Kraatz el ruidoso proyecto interdisciplinar “Fat Mariachi”De manera colectiva e individual se presentado en festivales y ciclos como: Del Sueño a la Realidad 2015 (Poesía Interdisciplinar) San Luís Potosí SLP Mx. Luminaria Ars Festival 2014 San Antonio Tx; Facto 2013 (artefactos sonoros) Ciudad de México; FIAC 2013 (Festival Internacional de Arte Contemporaneo) León Gto Mx; Meditatio Sonus 2012 (Arte sonoro y meditación) Ciudad de México; Transmuted 2013 y 2011 (Performance); Radar 2010 (musica experimental) ; Transitio Mx 2005 (medios electrónicos). También se ha presentado en diferentes recintos de la ciudad de México: Ex Teresa Arte Actual; Laboratorio Arte Alameda; Museo Universitario de Arte Contemporáneo; Museo Tamayo; Fonoteca Nacional; Centro Nacional de las Artes ; Centro Cultural España; Centro Cultural Border. Su material sonoro ha sido editado en España, Mexico y Japón. A partir del 2012 investiga sobre los fenómenos de la energía, frecuencia y vibración del sonido en la neurociencia, dirigiendo su trabajo hacia la medicina alternativa por medio de la vibración del sonido acústico. Actualmente compone, produce edita, distribuye y hace el arte gráfico para su propia disquera llamada "Discos Pretexto".

 

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“Inside / Outside”, Vicente Rojo Cama
Instalación, ambiente sonoro en cuatro canales creado a partir de los sonidos generados por los distintos vicios y adicciones a substancias de diversos índoles, medidas variables, 2015, pieza única + pa

Inside / Outside establece un diálogo con la memoria y la arquitectura de un espacio determinado, aludiendo a su función e historia al recrear acciones y sonidos comunes relativos a los acontecimientos posibles dentro de ese recinto. La obra produce un palimpsesto de sonidos, de historia del sitio, donde las acciones registradas se plantean a la vez como registro/memoria y como posibilidad, imbricándose con los sonidos generados en tiempo real en el espacio.

Vicente Rojo Cama (1960, México D.F.) Estudió composición electroacústica en el Conservatorio Superior de París (1979-81), en el estudio Phonos de Barcelona (1981) y música por computadora en el Brooklyn College (1985), en el sistema UPIC en Francia (1987) y en la Universidad de Stanford (1994). En 1982 a 1995 se integra al estudio de Antonio Russek junto con el cual realizó los primeros conciertos de música electrónica en vivo en México (1982) hasta la fecha. Durante una década este espacio se convirtió en el punto focal de la creación, experimentación y difusión de la música electrónica y el arte sonoro en México.Debido a su interés en otras disciplinas colabora con diversos artistas. En fundador del grupo Atte. La Dirección, colectivo dedicado al performance, la multimedia y la instalación (1982-97). Paralelamente a la creación sonora, ha desarrollado un trabajo personal en el terreno del arte digital, la instalación, la escultura, el diseño gráfico y recientemente la fotografía. Su obra se ha presentado en México en la mayoría de los museos, galerías y festivales más importantes del país. En el extranjero su obra se ha presentada en Nueva York, París, Venezuela, Cuba, Madrid, Londres y Polonia entre otros. Ha obtenido premios, becas y reconocimientos nacionales e internacionales por su trabajo como compositor y diseñador. Formó parte del Sistema Nacional de Creadores (2012-2014).

 

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“Sónica Tal”, Manuel Rocha Iturbide

Escultura-instalación sonora con calaveras mexicanas, 5 sound tracks, 5.1 home audio system, cable audio, medidas variables, 2014, pieza única + pa

La obra « Sónica Tal » está dedicada no solo a la cerámica tradicional de Talavera, sino también a obras particulares creadas por artistas mexicanos de renombre, como Francisco Toledo o Vicente Rojo. La escultura-instalación consiste en sonidos de la Talavera cuando se abre el horno, se trata de pequeños sonidos puntillistas que en su condición original son excepcionalmente interesantes. La música que hacen nos recuerda el trabajo experimental de John Cage y a los ritmos estocásticos de Iannis Xenakis en los años cincuentas.Las piezas de Talavera están diseñadas como piezas de cerámica que simulan cuerpos de altavoces, y estos, al cubrir los pequeños parlantes (del sistema 5.1), hacen que los sonidos cubiertos resuenen con su propia material de origen.

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Manuel ROCHA ITURBIDE (México DF., 1963) es compositor, artista sonoro, investigador y curador.

Estudia la licenciatura en la UNAM, maestría en Mills College, y un doctorado en el área de Música y Tecnología en la Universidad de París VIII. Su música ha sido ejecutada en varios continentes recibiendo encargos del Instituto IMEB de Bourges, Festival Cervantino, Cuarteto Arditti… Ha sido beneficiado con las becas del SNC de México, del Banff Center for the Arts, de la Fundación Japón. Ha ganado premios en los concursos Luigi Russolo de Italia y de Música Electroacústica de Bourges, Francia, entre otros. Co-fundó y fungió como curador del festival internacional de arte sonoro de 1999 a 2002. Algunas exposiciones importantes en las que ha participado son: Galería Chantal Crousel (París, Francia, 1994), Lines of Loss en Artists Space (NY, 1997), Bienal Internacional de Sidney (Australia, 1998), Project Rooms de la Feria ARCO (1999), Nothing en Roseeum (Malmo, Suiza, 2001), AVATAR (Quebec, Canadá, 2002), Koldo de Mixtelena (San Sebastián, España, 2007), Forum Internacional de las culturas (Monterrey 2007), McBean Gallery (San Francisco, California 2010), Xng Dong Chaeng Space for Contemporary Art (Pekin, China 2011), MuAC (México DF. 2012), galería le laboratoire (México DF. 2012 y 2014); Fundación Prada (Venecia, 2014), Zona MACO 2013 (Premio 1800 José Cuervo), 2014 y 2015. Rocha ha dado cursos de Historia del Arte y Estética (1987-88), música por computadora (Universidad de París VIII , 1995-96), arte interactivo (Centro Multimedia 1997-1998) y arte sonoro (Esmeralda), entre otros.

 

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“Bélico acento”, Roberto Arcaute
Instalación sonora, 2 gramófonos y 8 LP´s intervenidos
Medidas variables, 2015, pieza única + pa

La instalación toma su título de la estrofa del himno nacional mexicano que reza “Si el clarín con su bélico acento, Los convoca a lidiar con valor, un llamado a las armas que hace referencia a la orden de ‘ataque’, tocado por las bandas de guerra. En esta iteración, la obra presenta 8 discos de vinilo del himno nacional con diferentes versiones e interpretaciones del mismo; los discos han sido intervenidos con horadaciones, que corresponden a las pausas o silencios en la música para generar un juego de percepción visual y sonora en cada uno de los objetos. La pieza se activa a partir de la interacción, invitando al público a colocar y reproducir los discos intervenidos en los dos gramófonos que se encuentran en la sala para propiciar nuevas interpretaciones del himno.

 

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Licenciado en Artes Plásticas, Egresado de “La Esmeralda”, México, D.F. con Postgrado en Expresión Plástica, Villa Arson, Escuela Nacional de Arte, Niza, Francia y Maestría en Creación y Comunicación Audiovisual para Medios Interactivos, Media Centre d Art i Disseny y la Escuela Superior de diseño Sabadell, Barcelona, España. Fue fundador y presidente de la Fundación Internacional Arte Contemporáneo, AC. FundaciónIAC. que tiene sede en la ciudad de Monterrey. Ha participado en múltiples espacios de arte generando exposiciones individuales, festivales, ferias de arte y exposiciones colectivas en México y en el mundo entre las que destacan: Chiang Mai y Bangkok, Tailandia; Beijing, Shanghai, Guangzhou y Jingdezhen, China; París, Niza, Francia; Hamburgo, Alemania; Sao Paulo, Brasil; Ibiza, Alava, Madrid y Barcelona, España, entre otros; y en la República Mexicana en Ciudad de México, Monterrey, Toluca, Morelia, León, Guadalajara, Veracruz, Puebla, entre otras. También ha generado curadurías en diferentes exposiciones colectivas y Ha sido seleccionado en diversas Bienales, Festivales, Concurso de Arte y ganador de las becas: 2002 Jóvenes Creadores en la disciplina de pintura del Fonca, Conaculta, México, en el 2003 y 2004 en el Programa de Apoyo para Estudios en el Extranjero del Fonca, Conaculta en Niza, Francia y Barcelona, España, en Financiarte XXV del Conarte, Monterrey, México, 2004, Programa de Residencias Fonca, Conaculta Academia de Bellas Artes de Pekin, China Tsinghua Universidad 2011; Residencia en Red Gate Gallery, Beijing, China. Residencia Old Factory en la Ciudad de la porcelana Jingdezhen, China 2013. Actialmente forma parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte Fonca Conaculta.